La vierge d'Ognissanti (Oeuvre du XlVème siècle)

« Maye Abshir \ Décembre 2011 2M2 7 Contexte de l’œuvre : Les mathématiciens commencèrent à comprendre les principes de la perspective en Grèce de 500 à 100 av.

J.- C.

Mais c’est seulement à la Renaissance ou elle se développa réellement .

C’est l’apogée du développement artistique et scientifique.

On peut remarquer le début de l’humanisme qui considère que l’homme a une place importante dans l’univers.

En effet Giotto, se lance vers une recherche typologique et individuelle dont le résultat offre au tableau une impression de masse et de relief, alors qu’à son époque les normes de symétr ie et de proportions exigées par la tradition religieuse était limitée.

C’est grâce à la perspective qu’on n’obti ent cette profondeur.

Analyse de l’œuvre : Cette peinture nous permet de voir une Vierge paisible et radieuse.

On peut apercevoir sur un fond or, le manteau de la Vierge portant l’Enfant se détache.

Mais encore, le cadre du tabernacle qui est un meuble abritant le ciboire contenant les hosties dans lequel elle se trouve répondent de la préoccupation de Giotto pour la structure de la composition et de la hiérarchisation des formes.

Les principales proportions sont respectées ainsi que les contenus.

Cepen dant, la solennité de l’œuvre, les nuances délicates de rose et de violet ainsi que les tons chauds de vert et de rouge interpelle l’avis de chaque spectateur.

Giotto illustre un corps en volume modelé pour nous montrer le corps de la Vierge qui a un corps féminin: les cuisses et les genoux, sont lisibles on aperçoit également la poitrine de la Vierge sous son voile.

C’est une innovation représentative qui va permettre aux contemporains de se poser des questions théologiques.

Chaque personnage qui se trouve sur les cotés ne sont pas placées les uns aux dessus des autres.

Ils ne sont dont pas aplatis et donc ils ont chacun une physionomie propre.

Le point de fuite mets en valeur la construction précise de trône grâce au baldaquin .

On aperçoit également un ange agenouillé de chaque coté du trône regardant la Vierge en inclinant légèrement la tête afin de préciser la domination qui les sépare de la Madone.

Ils sont entrain de tenir un vase contenant un lis et des roses rouges et blanches.

En effet, c’est les s ymboles de la douleur de Marie et de sa pureté.

Mais aussi on peut le définir comme des offrandes données à la Vierge.

La Sainte Vierge est vêtue d’un manteau noir.

Les anges qui sont au pied de la Vierge ont des ailes de couleurs chaudes telles que le ro uge et le jaune mais aussi bien des couleurs froides telles que le bleu.

La composition de l’œuvre a un sommet en forme triangulaire, une sorte de point.

Finalement, je trouve que la technique utilisée pour cette toile est remarquable.

On peut s’apercevoi r qu’avec des outils et des techniques du 13 ou 14eme siècle, on peut réaliser une œuvre d’art d’une qualité remarquable.. »