Spé Arts plastiques - La couleur

« FICHE DE RÉVISION APPROFONDIE — ARTS PLASTIQUES 1ère La couleur | Matisse × Monet | Évaluation 2h ⚡ VERSION MAXIMALE — Analyse plastique, comparaison développée, rédaction modèle ◆ 1.

MINI-COURS — Comprendre la couleur en peinture Avant d’analyser une œuvre, il faut comprendre les mécanismes de la couleur.

Ce mini-cours te donne le cadre théorique complet. ▶ A.

Les trois dimensions de toute couleur 1.

La TEINTE (ou hue) : c’est la « famille » de la couleur.

Rouge, bleu, jaune, vert, violet… C’est la première information que l’œil perçoit. 2.

La VALEUR (ou lumérosité) : c’est le degré de clarté ou d’obscurité, indépendamment de la teinte.

Imaginez une photo en noir et blanc de l’œuvre : ce que vous voyez, c’est la valeur. Blanc pur = valeur maximale.

Noir pur = valeur minimale.

Un bleu peut être clair (valeur haute) ou foncé (valeur basse). 3.

La SATURATION (ou intensité/chrominance) : c’est la pureté de la couleur.

Une couleur saturée = vive, éclatante, sans mélange.

Une couleur rabattue = atténuée par l’ajout de gris, de noir ou de sa complémentaire.

Attention : valeur et saturation sont indépendantes — une couleur peut être à la fois claire ET peu saturée (ex: rose pâle). ▶ B.

Le cercle chromatique et les contrastes Il existe sept types de contrastes (Johannes Itten, 1961).

Les deux plus importants à connaître pour ce contrôle : Contraste de complémentaires : deux couleurs diamtralement opposées sur le cercle chromatique.

Côte à côte, elles s’intensifient mutuellement (chacune semble plus pure, plus éclatante).

Mélangées, elles se neutralisent (gris-brun).

Les trois paires : BLEU/ORANGE — ROUGE/VERT — JAUNE/VIOLET. Contraste simultané : une couleur placée sur deux fonds différents semble avoir deux teintes différentes.

L’œil « ajoute » la complémentaire du fond.

Ex : un gris sur fond rouge paraît légèrement vert.

Le paravent vert de Matisse semble encore plus vert entouré du bleu omniprésent. Contraste de valeur : opposition clair/foncé.

C’est le contraste le plus lisible à distance.

Utilisé par les deux artistes pour faire « ressortir » certains éléments (les aubergines noires chez Matisse, les nénuphars jaunes chez Monet). Contraste de température : couleurs chaudes (rouge, orange, jaune) vs couleurs froides (bleu, vert, violet).

Très utilisé pour distinguer les deux artistes : Matisse mêlange chauds et froids, Monet (Matin) opère une gamme exclusivement froide. ▶ C.

Les quatre types de couleur selon leur fonction Couleur locale : couleur « vraie » de l’objet (une pomme est rouge).

C’est le point de départ de la peinture réaliste.

Ni Matisse ni Monet ne la respectent. Couleur tonale : couleur modifiée par les effets de la lumière (zone éclairée vs ombre).

C’est la base du clair-obscur traditionnel (de Vinci, Rembrandt).

Absente chez Matisse.

Présente chez Monet mais non pour modeler des volumes — pour noter l’atmosphère. Couleur réfléchie : reflet d’une surface colorée voisine sur l’objet.

Explication de la dominante violacée de Monet : le ciel rose-mauve hors cadre se projette sur l’étang. Couleur expressive / autonome : couleur choisie pour sa valeur émotionnelle ou décorative, indépendamment de la réalité.

C’est la couleur de Matisse.

La peindre est un acte de liberté vis-à-vis du réel. ▶ D.

La couleur et l’espace — comment la couleur peut remplacer la perspective La perspective linéaire (Brunelleschi, XVe s.) crée la profondeur par des lignes de fuite et un point de fuite. La couleur, seule, peut aussi construire une sensation d’espace : Perspective atmosphérique (ou aérienne) : les couleurs s’atténuent, bleuissent et perdent en saturation avec la distance.

C’est ce que Monet exploite dans un sens différent : l’absence de variation crée une profondeur nulle — tout est au même plan. Couleurs chaudes vs froides : les couleurs chaudes « avancent » visuellement, les froides « reculent ».

Matisse joue de cela pour créer des tensions sans perspective. Aplat et planiéité : supprimer le dégradé = supprimer le volume.

Aplatir = ramener tous les éléments sur la même surface.

Technique clé de Matisse. Mélange optique : touche fragmentée chez Monet → l’œil recompose les couleurs à distance → vibration = sensation d’un espace lumineux sans horizon défini. TERME DÉFINITION + NUANCE DANS L’ŒUVRE — exemple concret Teinte Nature de la couleur : bleu, rouge, jaune… La première information perçue. Matisse : bleu outremer, vert émeraude, orange brûlé, blanc, noir. Valeur Clarté / obscurité.

Indépendant de la teinte.

Photo N&B = valeur visible. Matisse : valeurs moyennes + aubergines noires (valeur très basse). Monet : valeurs moyennes uniformes. Saturation Pureté de la couleur.

Saturé = vif, pur.

Rabattu = ajout gris/noir/complémentaire. Matisse : saturation max (fauvisme). Monet : modérément rabattu = voilé, atmosphérique. Aplat Surface de couleur parfaitement uniforme, aucun dégradé ni modulation. Technique systématique de Matisse. Opposé à la touche fragmentée de Monet. Couleur locale Couleur réelle de l’objet en lumière neutre. Abandonnée par les deux artistes. L’eau de Monet n’est pas violette dans la réalité. Couleur tonale Couleur modifiée par lumière/ombre pour modéler le volume. Absente chez Matisse.

Présente chez Monet pour noter l’atmosphère (pas les volumes). Couleur réfléchie Reflet d’une surface colorée voisine sur l’objet. Monet : ciel rose-mauve (hors cadre) se réfléchit sur l’étang = dominant violacé. Complémentaires Paires opposées (bleu/orange, vert/rouge, jaune/violet).

Côte à côte = vibration maximale. Matisse : bleu/orange (principal), vert/rouge-brun (secondaire).

Chez Monet : peu utilisé. Contraste Effet optique : chaque couleur Paravent vert Matisse entouré de bleu simultané semble « tirer » la couleur voisine vers sa complémentaire. = semble encore plus intense, quasiémeraude. Camaïeu Composition dans les nuances d’une seule teinte. Monet — Matin : quasi-camaïeu de violets-mauves-bleus.

Gamme très étroite. Gamme chromatique Ensemble + caractère des couleurs de l’œuvre.

Large/étroite, chaude/froide/mixte. Matisse : large, mixte chaud-froid, contrastée.

Monet : étroite, froide, atmosphérique. Touche Mode d’application physique de la couleur : aplat, fragmentée, fondue, brossée. Matisse : aplats nets.

Monet : courtes touches superposées, geste visible, matérialité présente. Clair-obscur Modélage du volume par contraste de valeur lumière/ombre.

Héritage Renaissance. Absent chez les deux.

C’est ce qui libère leur couleur de la représentation volumique. Auto-lumineuse Couleur qui semble s’éclairer d’ellemême, sans source physique. Matisse : la couleur ne vient d’aucune lumière, elle rayonne par saturation et contraste. Mélange optique Juxtaposition de touches distinctes que l’œil fusionne à distance (différent du mélange matériel). Monet : touches de violet et de bleu distinctes, fusionnées par l’œil en teinte atmosphérique. ◆ 2.

ANALYSE DÉTAILLÉE — Matisse, Intérieur aux Aubergines (1911) ▶ A.

Identification et contexte Auteur : Henri Matisse (1869–1954).

Né au Cateau-Cambrésis.

Formation académique puis rupture lors de la célèbre « cage aux fauves » du Salon d’Automne de 1905 (avec Derain, Vlaminck).

Après le fauvisme, il développe une recherche personnelle sur la décoration totale. Titre : Intérieur aux Aubergines.

Titre descriptif qui cache une ambition radicale : faire d’un simple intérieur un espace pictural totalisant. Date : 1911 (année de grande créativité : La Chambre rouge 1908, La Danse 1910).

Période des « grands intérieurs ». Technique : Détrempe à la colle sur toile.

La détrempe produit des aplats d’une matéité absolue, sans le brillant de l’huile.

Les couleurs semblent absorber la lumière plutôt que la réfléchir. Format : 212 × 246 cm.

Format monumental quasi-carré.

Traditionnellement réservé à la peinture d’histoire ou religieuse.

Matisse l’occupe avec un INTÉRIEUR — subversion de la hiérarchie académique des genres. Lieu de conservation : Musée de Grenoble. ▶ B.

Description zone par zone Décris l’œuvre en allant du premier plan vers l’arrière-plan (sans oublier que cette notion même est mise en cause par Matisse) : Premier plan : table basse aux pieds sculptés, nappe aux bandes orange-roux.

Dessus : trois aubergines (quasi-noires), carafe grise, bol.] Centre gauche : grand paravent vert émeraude recouvert d’arabesques blanches sinueuses. Surface totalement graphique, aucun volume. Centre droit : panneau décoratif ocre-jaune à motifs floraux.

Des tableaux représentant des paysages extérieurs (« tableaux dans le tableau »). Fond (murs + sol) : même motif de grappes de cercles bleus sur fond bleu foncé, couvrant INDISTINCTEMENT le mur vertical et le sol horizontal.

C’est LE choix le plus radical de l’œuvre. Ouvertures : gauche : fenêtre sur un autre intérieur.

Droite : fenêtre sur un extérieur (collines vertes, ciel rose-mauve). ▶ C.

Analyse plastique point par point (couleur + espace) ♦ 1.

L’aplat et la suppression du volume L’aplat est l’outil fondamental de Matisse.

Chaque zone de couleur est posée uniformément, sans dégradé, sans variation de valeur interne.

Cela signifie que rien n’est rond, rien n’a de volume.

Les aubergines, pourtant des sphères dans la réalité, sont de simples taches sombres sur la toile.

Le paravent, volumé en trois dimensions, est une surface plate vert uniforme.

Cette absence de modélé est une décision philosophique : la peinture n’a pas vocation à tromper l’œil, elle a vocation à organiser la surface. ♦ 2.

La fusion mur/sol : le coup de génie spatial C’est le geste le plus radical de l’œuvre.

En utilisant exactement le même motif (cercles bleus sur fond bleu) pour recouvrir le mur vertical ET le sol horizontal, Matisse efface la frontière entre les plans.

Dans une perspective.... »