Le théâtre classique

1)      Les conventions et les règles théâtrales

Bref rappel sur les conventions théâtrales de base. Il existe des conventions théâtrales communes à l’ensemble des époques.

Nous allons aborder en premier lieu, la structure externe de la pièce. Celle-ci se caractérise, par la division de la pièce en plusieurs actes, sur le modèle des pièces de l’Antiquité latine, en application du précepte d’Horace, dans son Art poétique.  De plus, elle s’impose d’une part, par intérêt pour le spectacle, et d’autre part, par goût de convivialité. Elle permettait à chaque spectateur, d’engager la conversation avec son voisin pour partager des réflexions ou bien plaisanter, d’où la nécessité de créer des entractes. Cette division en actes était également nécessaire pour des raisons d’éclairage puisqu’il fallait moucher les chandelles toutes les demi-heures, période correspondant à la durée d’un acte. Chaque acte constitue une étape importante de l’action. Chacun marque une progression de l’intrigue par rapport au précédent. Les actes sont divisés en scènes. Elles se définissent par l’entrée ou la sortie d’un ou de plusieurs personnages. De plus, elles doivent être liées entre elles. Ainsi, les dramaturges ont recours à plusieurs procédés telle que la liaison de présence, c’est-à-dire, quand dans la scène suivante, il reste sur le théâtre, un acteur de la scène précédente ou la liaison de fuite, c’est-à-dire, quand l’acteur se précipite de quitter la scène afin de ne pas être vu de celui qui arrive lors de la scène suivante.

Nous allons aborder, à présent, la formation du texte, très spécifique au théâtre. Celle-ci se caractérise notamment, par la double énonciation. Au théâtre, le discours est marqué par la double énonciation : le spectateur admet que le personnage s’adresse aux autres personnages présents sur la scène mais qu’il s’adresse aussi à l’intention du public. Cet aspect d’interaction entre un personnage est d’ailleurs très présent lors de monologues ou d’apartés. Il existe différentes variations sur l’énonciation au théâtre. La première d’entre elles correspond à la simple réplique d’un personnage s’adressant à un autre personnage. Le monologue est un discours prononcé par un personnage qui est ou se croit seul. C’est un moyen de créer une connivence entre le personnage et le spectateur, et un subterfuge de l’auteur pour dévoiler les pensées intimes du personnage. L’aparté est une brève réplique ou un mot qu’un personnage se dit à soi même, en présence d’autres personnages, et adressé uniquement, aux spectateurs. Il dévoile souvent des sentiments secrets, informe le spectateur et crée une complicité du personnage avec le public. Il peut également provoquer un effet comique. Il est important de différencier le monologue et la tirade qui est une longue réplique qu’un personnage dit d’un seul coup à un autre personnage. On peut également trouver des didascalies qui sont des indications scéniques que porte le texte écrit à l’intention des acteurs et qui peuvent décrire des jeux de scène, des mimiques…

Nous allons vous parler de la structure interne de la pièce. Celle-ci se compose de trois éléments essentiels : l’exposition, le nœud ou l’intrigue et le dénouement.  L’exposition peut s’étendre sur un ou plusieurs actes. Elle fournit les éléments nécessaires à la compréhension de la situation, indique l’identité des personnages et leurs rapports et donne le  «ton « de la pièce : comédie, tragédie, etc. Le nœud ou l’intrigue correspond à une suite de péripéties. Les obstacles que doivent affronter les personnages sont de deux sortes : réels ou imaginaires. Par exemple,  le malheur d’un héros provoqué par une passion, ou un sentiment peut constituer un obstacle extérieur. En revanche, un obstacle imaginaire concerne davantage, les méprises, les malentendus, ou les quiproquos (ex de quiproquo : dans l’Avare, de Molière, lorsque Harpagon croit parler de sa cassette d’or, Valère parle de Marianne, la fille d’Harpagon dont il est amoureux). Enfin, le dénouement apporte la résolution de l’action, c’est-à-dire, qu’à la fin de la pièce, le spectateur doit être fixé sur le sort de chacun des personnages et que tout doit être élucidé.

Certaines règles sont spécifiques au théâtre classique. La première d’entre elles concerne le principe de vraisemblance, c’est-à-dire, tout ce qui peut paraitre vrai. L’objectif n’est pas de représenter la vérité, mais ce qui est naturel, c’est-à-dire, ce que le spectateur croît possible. Ainsi, la vraisemblance dépend de l’opinion du public, n’a pas besoin d’être réel mais ce qu’on croit possible qu’il se passe dans la pièce. Observer la vraisemblance n’est pour autant pas suffisant, les dramaturges doivent également les règles de bienséance. La pièce ne doit pas choquer les goûts, les idées morales du public. Il faut écarter tout propos déshonnête et tout spectacle pénible et désobligeant.  En effet, l’idéal artistique du théâtre classique s’accompagne d’un modèle social idéal représenté par la figure théorique de l’honnête homme. Cette expression résume toutes les qualités que l’on peut attendre d’un homme de cour : politesse, culture, humilité, raison, respect des règles. Ainsi, c’est au nom de la vraisemblance et de la bienséance, que les dramaturges ont décidé d’instaurer la règle des trois unités.  L’unité d’action se compose de l’unique intrigue dont les péripéties sont logiquement liés. L’unité de temps : le temps du spectacle varie de 1 à 4 heures mais le temps de la fiction ne doit pas excéder 24 heures dans l’esthétisme classique. L’unité de lieu :  la pièce se déroule en un même lieu.

Par conséquent, toutes ces règles peuvent être résumés en une citation , de Nicolas Boileau, Art poétique, 1674 :

« Nous voulons qu’avec art l’action se ménage :

Qu’en un lieu, qu’en un jour, un seul fait accompli

Tienne jusqu’à la fin le théâtre rempli

Jamais au spectateur n’offrez rien d’incroyable.

L e vrai peut quelque fois n’être pas vraisemblable

Une merveille absurde est pour moi sans appâts ;

L’esprit n’est point ému de ce qu’il ne croît pas. «