Arts et Culture LA PEINTURE CONTEMPORAINE

La plupart des œuvres picturales réalisées durant la période 1945-1960 sont désignées sous l’appellation d’art informel, qui regroupe principalement des artistes de l’école française. Ce mouvement réunit différentes tendances de l’abstraction - la calligraphie, le tachisme, l’art brut -, qualifiant d’«informelle» l’improvisation psychique qui préside à la création picturale. Mais, à l’inverse de la démarche des artistes américains, cette abstraction n’exclut pas toute référence à la réalité; elle ne remet en cause ni l’identité des tableaux ni la tradition qui régit leur composition. L’art informel est illustré par plusieurs personnalités fortes et singulières. Les unes sont orientées vers les recherches sur la matière et les possibilités expressives produites par le recours à des matériaux hétérogènes, comme chez les Français Jean Fautrier (1898-1964), Jean Dubuffet (1901-1985) ou l’Espagnol Antonio Tàpies (né en 1923). Les autres privilégient l’esthétique du signe plastique pur, qui ne sert plus à constituer des formes et écarte toute signification évidente, comme chez les Français Hans Hartung (1904-1989), Pierre Soulages (né en 1919) ou le poète Henri Michaux (1899-1984). En marge de l’art informel, certains artistes s’expriment dans le registre abstrait tout en y incorporant références et allusions figuratives où s’exprime la présence de l’homme et de la nature : la Portugaise Maria Elena Vieira Da Silva (1908-1992), le Néerlandais Bram Van Velde (1895-1981) ou le Français Nicolas de Staël (1914-1955), par exemple.

 Composition, (1935) de Hans Hartung. Son œuvre allie abstraction et spontanéité. Il trace un graphisme noir, appuyé et dynamique auquel il adjoint des couleurs primaires en taches étirées.

Ontogenèse (1975) de Jean Dubuffet.

Ce peintre s’inspira des graffitis et aussi des dessins d'enfant. Il les retravaillait afin de créer ce qu’il appelait «topographiques ” ou «texturologiques».

En France, au début des années 1960, l’essoufflement de l’art abstrait, interminablement voué à la répétition des mêmes formes, provoque une double réaction esthétique : le géométrisme de l’art cinétique et le nouveau réalisme. Appelé aussi op art (de l’anglais optical art), le cinétisme est popularisé en peinture par les œuvres du Français Victor Vasarely (1908-1997). Utilisant un répertoire restreint de formes géométriques empruntées à l’art abstrait, il introduit le mouvement, du moins sa sensation, par de simples effets optiques - jeux de couleurs et de structures, superposition de lignes et de trames - fondés sur les réactions physiologiques de la perception visuelle du spectateur.

Le nouveau réalisme, ou nouvelle approche perceptive du réel, est fondé par le Français Yves Klein (1928-1962), dont l’œuvre repose sur la monochromie bleu outremer intense. Il réunit dans une même «aventure de l’objet», des personnalités diverses -peintres (Klein), affichistes

et sculpteurs (Arman, César, Jean Tinguely Niki de Saint Phalle) -, qui détournent les produits de la société contemporaine vers un usage esthétique, transformant en œuvres poétiques les objets du quotidien le plus prosaïque.

Les métamorphoses de l’homme

Au milieu des années 1960, une nouvelle génération, en rupture d’héritage, prend en compte le réalisme allusif qui sous-tendait bon nombre de tableaux abstraits. La figuration, reléguée à l’arrière-plan par la profusion des expériences abstraites, reprend vie et reconquiert l’espace pictural: on la qualifie alors de nouvelle, de narrative, puis de libre. Si son langage n’est pas neuf, elle se distingue par son refus des compromis et des séductions faciles, par un réalisme différent nourri de questionnements et d’exigences. Grande bénéficiaire de ce renouveau figuratif: la figure humaine, principale victime du déplacement d’intérêt vers la peinture abstraite.

Mais la guerre et ses tragiques conséquences ont transformé le visage de l’homme. Analyste impitoyable de la condition humaine, l’Anglais Francis Bacon (1909-1992) le déforme, le liquéfie, le décompose jusqu’au grotesque et à l’horreur. Le Suisse Alberto Giacometti (1901-1966) réduit les visages à leurs signes essentiels : ses

Lauros-Giraudon

silhouettes décharnées et filiformes symbolisent l’isolement de l’homme. Cette traduction picturale de la condition de l’homme trouva en Jean-Paul Sartre un exégète attentif, qui l’interprétait comme l’incarnation de l’inaccessibilité des objets et des distances entre les hommes. La grâce même des fillettes de Balthus (né en 1908), qui perpétue cependant une tradition picturale héritée du xixe siècle, dégage un érotisme trouble et une froideur quasi inhumaine. L’angoisse existentielle qui irradie la représentation de la figure humaine a trouvé bien d’autres expressions picturales, comme l’objectivité inquiétante de l’Américain Edward Hopper (1882-1967) ou les personnages boursouflés du Colombien Fernando Botero (né en 1938) ou naïfs du Français Gaston Chaissac (1910-1964). Des expressions qui démontrent que la vigueur de la peinture figurative n’est pas incompatible avec l’exigence de renouvellement formel de la peinture moderne.